从去年到今年，我帮 Nuclear Blast、Napalm Records 这两个金属大厂，以及 Mad Decent 和 Ninja Tune 这两个电音厂牌的旗下近千个乐队和艺人，制定了大中华区的评级标准，所以应该还是有资格来和大家分享一下如何去判断一个乐队水平的。

我们会在很多情况下碰上要去评价一首歌的好坏，接着我们也都会发现，这事情的概念非常模糊，因为一首歌从来都没有绝对的好听和绝对的难听。

但和要判断一首歌好坏不一样的是，要判断一支摇滚乐队的水平，一定是一个整体水平，绝非单方面。

Uli Jon Roth 够牛逼的，但不能单方面就能代表 Scorpions（蝎子）的水平，这不最后蝎子觉得这人太牛逼了，乐队实在是驾驭不了他，然后就这么给开除了……虽然没有一个固定的细分准则，但确实有几个可以参考的标准，这是我从 2005 年开始搞乐队，到后来从业音乐产业，经历了各种后自己定的标准，也相当于是我自身的一个经验分享。

下面我将尽可能的抛开专业语气，用说人话的方式和大家一起聊一聊。

录音室作品我们不能将一个摇滚乐队的歌曲作为评价的唯一标准，但歌曲是必要的参考对象，而这里的主要参考对象，是每一个摇滚乐队的录音室专辑作品。

除非是纯商业性质的翻唱乐队，每一个乐队在组建后都一定会有自己的作品。

接下来，不管是对于乐队自己的知名度宣传还是吸引粉丝，音乐作品永远都是一个最纯粹直观的“Bridge”，当乐队在积累了一定的原创作品数量之后，一定会在时机成熟的情况下，将这些作品录制出来，变成更好更干净的最终固定版本。

要知道，不管是将来 Live 时的大合唱也好、燃点集体跳舞也好，还是让自己的歌曲利于传播，甚至是签约唱片公司，全靠这些录音室作品了。

乐队自己在录正式作品之前，同样会考虑：每一首歌曲，都等于是乐队的简历，那什么样的作品才是最能代表乐队水准的？你想，几个人各司其职，穷尽自己对音乐的技术和想法、对生活和情感的表达，全部融入在了几分钟时间里，所以每一首正式音乐作品，都代表了某个乐队或音乐的全部和精华。

那么，如何来辨别每一个录音室作品呢？点开播放按键，当音乐发出来时，我们要做的第一件事是要问问自己的整体感受。

从传统理论上来看，一般的音乐演奏或演唱，都是在听众前方的舞台上进行的，所以前方两个左右声道出来的声音就能很好的模拟这种声场，所以大家的音箱都是摆在面前的而不是放在背后天天在放歌。

我对这个还有个理解：正前方迎面而来的声音也具有安全感，在这个前提下，正前方的乐音就能带来画面感。

左右声道，刚好对应上了我们感知这个世界各种声音的左右耳，再说大家听歌都不会背对发声源来听。

所以，要将听音乐建立在这一个声学概念基础上去听，用音箱也好，用耳机也好，都是“正前方”听歌，有左有右才是立体声。

一首好的音乐作品，左右出现的乐器元素一定各不相同，立体声听起来又有其他东西在前后左右环绕。

像这样听歌，你之后就会发现很多你之前听歌没有听到的细节和新的体会。

有的人听歌是为了通过音乐达到某种个人目的（解压、跑步、让开心更开心、让难过更难过等）。

而还有的人听歌是为了做一些有意思的事情，那就是去听每一首歌里面左右两边包含的不同元素，因为散在两边不同的元素恰好又组合成了一个丰富饱满的具有立体感的音乐。

那么，大家在了解到这个听歌的概念后，再来听某首歌，然后试着看能不能回答以下问题：01这首歌，听起来声音是否是糊成了一坨？这个问题一般来自于混音。

02左右两边出来的声音是否相同？我曾经听到过很多乐队的正式作品，左右那边完全一致，很明显这是两个一模一样的单声道并没有组成立体声，这个问题，同样来自混音。

当然这很有可能是乐队自己做的，一般来说混音师不会犯这种入门级错误。

03整首歌听起来每一个出现的元素声音是否干净？每一个乐器的演奏（含人声）是否有演奏瑕疵？不管是正式作品的录音过程还是现场，多数人认为演奏演唱出问题是最真实的反映。

你可以在原有的基础上进行改编、进行情绪变化的技法调整，但实际上不弹错不唱错是一个乐者应该具备的最基本的从业要求。

04一首歌的频段是否均衡？买耳机买播放器的时候我们都会看到一些相同的议论：这个三段均衡还不错。

简单说来，我们在听一首歌，只要不是太屎的输出设备，都能明显的感受到一首歌的低、中、高这三段的。

这一点不止是录歌才讲究，乐队排练的时候在各自音色的选配上就要把层次分清楚，就一个吉他均衡，都有七段调节的。

优秀的乐手都能清楚的知道哪些地方该“重”、哪些地方该“轻”，也知道开失真炸的地方如何避免电平增益破音、打击镲片或鼓控制力度避免盖过其他乐器。

这些，说到底都是为了不让大家的声音糊在一起或是没有主次，虽然后期是可以调整的，但一味的依赖后期的乐队，是好乐队吗？依赖后期的摇滚乐队，一定没有一个好现场。

只是记得要放下“通过歌曲来鉴别”这个标准，因为这无疑最后又会走上评价一首歌好听与否的死胡同。

现场质量在我看来，全世界所有的摇滚乐队的现场大概可以分为三种：一种是听的，一种是玩的，一种是既可以听又可以玩的。

咱们有句老话：是骡子是马，出来溜一溜就知道了。

唱片做得精致，歌迷也听得舒服，但这还不足以评价一个摇滚乐队水平。

之前我在帮某公司做他们旗下全球一万三千多个乐队和音乐人的评级标准时，将现场列为了重要评判标准，后来发现我的很多国内外乐评人朋友和音乐编辑朋友，都是这样做的。

唱片是不能说明实力的，只有现场才能看出一个乐队的真正水平。

现场大致分五种：演奏、整体音色、还原度、台风、歌迷反应。

01演奏这是音乐的基础。

拿我自己举例吧，我帮朋友编曲的一首歌，中间有一段是我弹的 Solo，这一段在我写好编好之后，16 个小节弹了 20 几遍才毫无差错的录好，因为老是会遇到音色不太对、某个音的感情力度没有掌握好这些问题，毕竟是要发布的正式版本嘛。

这要是搁在演出，现场绝不会因为我弹瑕疵了或者音色没弄对就要全部停下来重新来过。

BEYOND 也是个很好的例子，三子时期的专辑歌曲，鼓大部分都是恭硕良打的。

被很多人誉为“亚洲第一鼓王”的叶世荣是真的打不出，不需要去现场，看看现场视频中的叶老师，一对比就会很明显觉得打的和录音室完全不一样。

要知道，叶世荣，一个知名摇滚鼓手，一直都有自己的御用鼓手。

你再比方说英国大名鼎鼎的力量金属乐队 Dragonforce，就是李康敏任职吉他手的那个龙之力量。

MV 很多金属党都看过吧？每个乐手的演奏看起来简直吓死人对不对？但现场却让你大失所望，不管是中国巡演，还是欧美巡演或音乐节，全世界的评价大多一致：感觉现场不行啊！不过这并不妨碍他们成为国际大牌，因为录音室作品够屌，只不过看完现场你可能觉得他们的牌好像并没有那么大。

所以说，录音室作品一定能表现这个作品的精良程度，但并不能代表一个乐队或乐手的能力。

02还原程度从听感而言，如果能将现场出来的声音，还原到和录音室作品一致，那这个乐队一定是一个优秀的乐队没得说。

Caspian 是我最喜欢的后摇乐队，没有之一，我甚至一度觉得现在能扛传统后摇大旗的乐队只有 Caspian。

Caspian 有一个最猛的特点，就是能将现场和录音室做到一模一样，但会突出很明显的现场感。

我看过他们的现场，现场的音响设备一出声，一片墙，直接打翻在地。

同样的例子还有现场的天爆，而其他鲜有后摇乐队能做到两者完全同步，所以和其他同类型乐队一比较，马上就能判断得出整体水平高低。

演出是拉近自己与乐迷最好的方式，因为你是站在上面给站在下面的人演奏，那从乐迷的角度来说，同样都是用左右两个耳朵听，那我在线上听到的，和在线下听到的，都是一样的吗？不一样的话，至少对这首歌的熟悉感要到位嘛！你的专辑全是大编制，各种乐器丰满的不要不要的，但现场为什么你就只拿一把木吉他，进行着安详镇定自若的弹唱呢？而且你还走音了啊哥！帮助你做后期的人，想必头大得已经脖子都支撑不住了吧？反观流行音乐的各种演唱会（演唱会分为现场放伴奏和乐队伴奏），乐队成员们将现场无限接近于录音室版本还带有现场感，比如张学友、陈奕迅、周杰伦演唱会带的乐队，足以可见这些乐手的水平多么高。

要不然你我也不会在 KTV 点一首现场版，会觉得比点一首 MV 版本的，要爽出很多。

所以，看到这里，你会发现，李延亮，真的牛逼，圆了无数人在 KTV 唱许巍现场的梦想。

03整体音色现场除了乐队自身把控外，还要取决于调音师的水平。

然而，调音并不是调节音量大小的电工活。

前几年我在美国接触到了不少知名 Live house 的调音师，在更深入的了解了现场调音技巧后，对现场调音这个如上帝一般的创造性工作膜拜不已。

美国好多调音师不是科班出身就是后期进行了大量的学习，平时除了一些大小场地大小演出的调音工作外，有些还要参与唱片的制作。

回国后，恰逢看到国内多个 Live house 招聘调音师，要求第一条是，持电工证优先。

这么说可能很片面，也有可能是我运气不好：除了成都小酒馆以外，我目前在国内还很难感受到哪个 Live house 出来的整体音乐很舒服的。

当然，除开每一个自带调音师的乐队。

调音师也就是音响师，英文里叫做 Sound Engineer，国内能做到 Engineer 级别的调音师恐怕不是多数。

调音的本质，就是通过现场的音响设备，对各种声源的音质进行调控。

除了要对音响设备熟悉以外，还要掌握建筑声学、舞台机械、灯光等相关知识，因为整个现场质量，调音占大头，而且调音师还要时刻保持和灯光师的配合。

Caspian 10 周年专场在麻州老家办的，四把吉他、一个鼓、一个贝司、一个合成器，还有其他乐器，以及《 Sycamore 》这首歌末尾的所有人鼓齐奏，那质量和录音室几乎一致甚至还要好出很多。

后来这个现场出了现场专辑，如果不是观众欢呼声，很难相信这是现场演奏出来的东西。

要达到录音室水准，除了要求乐手自己技术和理念过硬之外，现场调音一定不可少，要不然，各种 3 个 或 4 个人的乐队怎样都不能镇住台下数万人的观众，并且还要让站在现场里各个位置的人都要统一觉得：“现场和录音室简直一样啊朋友们！”能重视现场调音这件事的乐队，水平一定也不差。

哦对了，为什么招聘调音师要电工证，也许是因为 2016 年国家取消了 47 项“不必要”的职业资格许可和认定，这其中就有录音室和调音师（音响师）。

上面不重视，下面也不重视，百度搜索一下调音师，前三条一定不是你要的那个调音师。

04再来说关于现场的最后一个：台风和歌迷的反映。

这两点再加上音乐，三方同步好了，一个乐队的水平也就反映出来了。

如前面所说，我将现场乐队分为了三种，能玩能听的，一定都是优秀的乐队、大牌乐队。

也有很多现场不如 CD，CD 不如现场的优秀乐队。

要不然我们也不会听到朋友们的“这个乐队歌听起来很不错但现场很屎不想去看”、“这个乐队现场超级棒，比听歌更爽，值得一看”这些说法。

话说在国内看现场，我的运气真的太让人万念俱灰了。

我见过站在台上端端正正演出的金属乐队；我见过坐在台上吉他弹唱还在甩头的某“民谣”音乐人；我也见过台上乐手台风一流，音乐够劲，但台下观众如一具具木头的现场；我还见过一上台就满地打滚喝酒骂人狂叫的实验噪音乐队，这是艺术范畴的事，反正我是不喜欢；更夸张的是，我还在音乐节和 Live house 碰到过好几次国外大牌一上场，四五首歌后音箱直接烧了乐队没发演出这种灵异事件。

太多车祸现场了，数不胜数。

前些天有朋友吐槽说看黑帝（Godspeed You! Black Emperor ）的现场简直坑，全场黑灯瞎火，乐手又全部黑衣黑袍，台上啥玩意儿都看不到，都不知道是在演奏还是在放歌。

但这种台风并不影响黑帝成为后摇界的大鳄，原因很简单，只有两个字：编曲。

编曲前面提到的用左右概念去听歌，也会提升你的编曲意识哦！编曲要做、要考虑的事情太多太多了，不仅仅要编排每一个乐器在什么时候进入和结束，甚至吉他 Solo，走向旋律、乐器音色选用等等，都是编曲要做的事情。

黑帝的编曲强就强在，他们大部分歌曲都是十几二十几分钟一首，期间各种变速变调变拍子，各种情绪起伏段落变化各种音色切换……你说这都是怎么记住谱子的啊……个体音乐人发行出来的歌，多数编曲是由专业团队完成的，乐队的则是多数由乐队几个成员一起完成，后期可能会有调整，但编曲后的大框架基本是不会动的。

一段简单的作曲旋律，经过高明精细的编曲后，一定会听起来特别棒。

一首歌曲真正牛逼的地方不是作曲，而是编曲。

作曲就好比是生产出了一把面，编曲则是这碗面的佐料：辣的、白味的、汤的、干的、肥肠味的、牛肉味的，要葱少花椒粉的，不要菜不要葱的，各种都有，这也是我们吃面最看重的部分。

因为面就是面，面自己不会变，只是说，喜欢什么口味，完全要看打面佐料的人。

最浅显的感受编曲的方式就是听翻唱，民谣版、摇滚版、爵士版什么什么的，其实都是在玩重新编曲。

你看 Sophie Zelmani 的《Going Home》和王菲的《乘客》是一首歌，《怀念》和 Cocteau Twins 的《Rilkean Heart》是同一首歌，但因为编曲不同，在不影响原作曲的情况下，出来的味道完全不同。

拿我喜欢的金属乐来说吧。

将注重旋律的金属乐分为欧美中来分析：美出来的金属，旋律编法一般是建立在布鲁斯上音阶上的，这个练过琴的朋友都知道；欧，特别是盛产金属的北欧，玩的路子和美又不一样，他们的旋律是建立在古典音阶上的；中，建在传统五声音阶的有，还有非常非常非常多的乐队，是建立在欧美已经做好的路数上来进行的。

有很多国内的乐队和音乐人，习惯性的用最简单的和弦走向和各种排列组合音阶，来拼凑成一首歌。

我不是说这不好，只是想说……这大概就是为什么你的大多数作品，听起来都感觉差不多、没有什么明显变化、感觉都在重复的主要原因。

也是大多数乐队的作品混在一起听，都感觉不出差别和亮点的原因。

要知道，北欧的金属在编旋律的时候，不但是建立在古典音阶上的，还有个更重要的因素——北欧的古典音乐完全深入了当地不同的文化。

所以在中，有很多金属乐队的旋律完全不对劲。

如果你用五声编曲，那要知道五声是很接近布鲁斯音阶的，你必须跳出来，否则很难在旋律上有所建树。

我想问问大家，有标志性大篇幅旋律的、非常好听、能让你记住、有自己特点的华语乐队作品，除了 BEYOND 还能说出几个？吉他 Solo 也好，贝司、鼓独奏也罢，这些都是判断一个摇滚乐队水平的必要参考。

我们能听到国内很多乐队，他们的歌都非常好听，但是平庸。

这个主要表现在，整体合奏没问题，情绪起伏没问题，演奏也没什么瑕疵，有歌词的地方都唱得很好听。

那没歌词的地方呢？因为很多搞音乐的人都是半路出家，出家后又没有进行过多少音乐学习，通过自己琢磨到的乐理知识，在写曲时通过乐器在固定的和声走向里哼，然后其他乐器按照套路添加进去这样子。

好好琢磨一下如何将旋律和整体编曲写得好听抓人耳朵。

这个世界上已知的成功摇滚乐队，在处理每首歌的旋律和编曲上，都有过人之处，绝非浪得虚名。

要不然，就整成了摇滚卡拉 OK……要多读书，多学习文化知识。

不管是听歌的人，还是写歌的人。

整体乐队是一个整体，不是几个独立的个体。

做好这一点，就已经成功了一半了。

用五月天来解释是最合适的。

很多喜欢听摇滚，喜欢玩摇滚的人都鄙视五月天，说他们是伪摇滚。

诚然，五月天是有很多不是摇滚的标准流行歌，但也有很多摇滚曲风的歌啊！不过这个今天不讨论。

然而说到“整体感”这个词就一定要说到五月天，不仅是因为他们二十年来从未更换过乐手。

从 1997 年组队，到 2001 年家乐福二块五大甩卖《爱情万岁》磁带，再到 2004 年北京无名高地专场 30 块票价来了 40 个人。

早期的五月天，像不像我们身边很多熟悉的乐队的早中晚期？但是五月天后来出人头地飞黄腾达歌迷遍布全世界，在台湾还得到乐坛大哥李宗盛的认可和栽培，不是没有原因的。

如果你稍微关注一下五月天就会发现，他们的演奏实力、表现实力、台上台下荧幕内外的表现，都很均衡。

这个均衡是一个优秀乐队必须具备的条件（别忘了声音的均衡），另一外面也直接导致了我们说五月天都知道是五个人，而不是只知道阿信。

但是你要说我们身边的乐队，比如木玛乐队，那就真的只知道谢强了。

不管是台上，还是台下，一个乐队不能有任何短板，任何一个拉后腿的成员，都会把整个乐队的水平直线拉下来。

整体同时也要表现在音乐上。

前面说过编曲（曲作），和曲同样至关重要的是节奏。

表象区别摇滚乐与流行音乐的差异，首先是看节奏。

现场最能带动观众的不是乐音，而是节奏，所以有些乐队就是玩现场的，有些则是去纯听的。

听的一定是靠音乐取胜，那么玩的呢？用来玩的乐队有一个特征，就是“简单” —— 旋律简单、节奏简单、歌词简单、啥都简单。

但是你看这些乐队，他们的整体感，全部都协调得特别好：旋律歌词简单，可以朗朗上口让你我听几遍就能跟着唱；节奏简单，就会显得非常整齐，这样你我就可以跟着跳起来啦～Nova Heart、宠物同谋、后海大鲨鱼这些乐队都有这个特征。

而后海还有个特征 —— Riffs。

连复段（Riffs）摇滚也好，金属也好，甚至是上面提到的后摇，都是建立在 Riffs 上面的。

一个优秀的乐队，能通过一段或几大段连复段，在一首作品里不断拓展和延伸，从而形成一篇同样优秀的 Riffs。

而水平不太高的乐队则会把一个 Riff 生硬地持续到底，更有甚者，将一个 Riff 换个弹法换个节奏，拼凑出了一张专辑。

这一段只有弹琴的人才看得懂，所以就不往下说了。

作品思想性乐队在创作这首歌的动机是什么？这首歌表达的内容是什么？歌词写的是什么？了解情况之后，会加深你对某个乐队的认识。

就好比，你知道《AMANI》是呼唤和平的，《真的爱你》是写给母亲的，就是这个意思。

顺便你还可以研究一下歌词，大家都是学中文的，看看这一首歌词用中文表达得怎么样，是不是为了押韵而押韵，等等。

比如国内某个知名金属乐队，20 年前的歌词是我要操这地球，二十年后的歌词还是我要操这个地球……这个除了说明你押韵了二十年，其余的就真没啥意思了啊…………接下来的有几点用来判断国内的乐队可能会不太合适，走得比较远，但也可以看看。

影响力影响力并非票房影响力，而是指在全球或是一个国家内，是否产生过具有深远、巨大的影响，这个取决于是否让越来越多的人因为听了这些乐队的音乐后，立志走上摇滚乐之路。

The Beatles、 Led Zeppelin、Pink Floyd、Metallica、U2、Nirvana、Coldplay、Linkin Park 这些乐队都属于这个范畴，华语音乐里我能想到的只有 BEYOND 和五月天。

虽然现在小学生也在排练《没人给你面子》，但扭机也好，更早之前的唐朝、黑豹也好，真不算。

创造音乐风格这一点和上面一点类似，不过却是指能够创造出一种独特的、能产生巨大影响的潮流或风格的乐队，这样的乐队水平一定不低。

比如创造金属乐的 Black Sabbath（黑色安息日）、创造了 Grunge 的 Green River、Soundgarden 乐队，以及在 70 年代创造朋克、确定 Hard Rock、8、90 年代创造了 Britpop 潮流的英国乐队们。

个人具有过硬技术不管是单干，还是和团队一起，都生猛得一逼。

但是这一点切记，不要盲目跟从他人意见人云亦云，有些人只是因为个人原因喜欢某个乐队或乐手而给你讲这个乐队多么多么牛逼（比如想让自己也达到某个乐手的水平这一类的个人原因）。

如何判断技术，如何判断自己不被人带飞，请看今天我分享的最后一条。

比较如果你喜欢某个乐队，那么就去找到该乐队主要风格的同类型乐队，听，各种听，然后结合自己的感受（喜欢还是不喜欢）和我上面分享的 9 条，这时候应该也能得出自己的评价了。

打个比方，前面提到了扭机，那么如果你喜欢他们，首先要听完他们所有的歌，然后你就去查一查他们的歌是什么风格的，再去找同类型的乐队来听。

这个时候的你，就已经做成了两件事了：第一，你学会找自己喜欢的歌来听而不求人歌单了；第二，你了解到了一个、甚至多个音乐风格。

你会发现，哦，原来扭机 2001 年首专的 Riffs 和节奏，处理得和 Limp Bizkit 九几年的早期作品简直一毛一样，虽然他们说自己是受了 Rage Against The Machine 的影响；你也会发现，把扭机的歌全部听完后，原来首专里面的歌词将市井中的北京青年烦恼写得那么贴切，这也是全国各地年轻人在那个时候都拥有的相同感受啊！为什么现在动不动就叫大家来一个更大的 Pogo 呢？你看，你发现了好几件多么有意思的事情。

当然，你也可以说，我只是听音乐而已，哪来那么多事。

纯听音乐确实不建议读我这篇文章，但如果你想自己像一个乐评人一样，去独立判断一个摇滚乐队的好坏，相信我，按照上面的来，一定没问题的。

*本文作者 @周北树 ，首发于微信公众号“哎呀音乐”。

作者的话：非常感谢哎呀音乐再次约稿我，近期也在哎呀发了一些文章，每一篇文章我都看完了留言评论，非常感谢每一位看完我文字的人！（抱拳感谢.jpg那给看到最后的朋友，再来一个干货 —— 如何快速地成为一个摇滚乐队乐评人？你就把上面这十个点，分成一个文章大结构里的十个部分，综合在一起（然后每一个点都可以细化出非常多还可以再深入讨论的点），最后结合自己的感受和看法，只要没有错别字，就一定会写出一篇高质量的乐评文章，而不是现在网上那些写得像散文作文的，毫无价值的乐评。

另外我知道哎呀有很多读者都在学习吉他，之前我看了哎呀推过的一篇文章，是一个修家电的朋友写的自己弹吉他的心路历程，很受感动，感觉大家都是早期没有掌握到好的学琴方法，而后来走了非常多的弯路，再回到正轨。

除了要一开始学爵士这个不太适合以外，我觉得他提到的吉他从布鲁斯开始是非常正确的，除非你是演奏古典音乐的。

要知道毕竟是布鲁斯催生了摇滚乐，评价摇滚乐也好，搞摇滚也好，你一定绕不开布鲁斯。

而且布鲁斯和爵士、 Soul 等等一起，又催生了流行音乐的诞生。

我在欧美国家看到的学吉他的小朋友，布鲁斯一个比一个弹得溜，也难怪我们总是说好的都是别人家的。

所以，如果你将学习布鲁斯作为创造旋律和节奏的起始，那么这还有个好处：将来你乐队的作品，一定会因为你，旋律和律动成为最大的亮点：变得更加丰富，更能抓人耳朵。

这个时候别人想不听你们的音乐都难。

从一开始就学 C、Am、F、G 进行弹唱，真的对你之后的个人音乐发展没有任何卵帮助。

因为这些套路对创造音乐来说，很局限。

何况很多人还没干过 F 和弦就宣布退役了呢。

请大家多听，多学习，多看书，以一颗宽容理解的心态去看待任意一种已知存在的音乐，不要去看不起。

再然后，尽可能对每一个东西，都能发表自己的看法而不是看别人怎么说的，让自己养成独立思考的习惯。

这一生不断的学习、不断的创造，就是我们实现自己人生价值的一部分。

共同努力，与君共勉。