在西方乐器中，最被人们所熟悉和喜爱的，是钢琴和小提琴。

这两种乐器已成为家长对小孩进行素质、修养培养的必修课之一。

众所周知，现代教育不只是基本的文化教育，更多的是小孩的素质教育，其中并不可少的就是音乐修养的培养。

在现代素质教育领域已有越来越多的人在从事音乐教育工作，在现代的乐器教学和学习中，最为常见的是钢琴和小提琴。

面对越来越多的学琴者，新的教学问题也越来越多，而关于器乐教学和学习的书籍也越来越多。

但对于那些已经学习了小提琴后学习钢琴的学生，将会面对怎样的困难，又将如何以最好的状态来把握这两件乐器，是一个值得音乐教育工作者思考的问题。

对于这类情况的学琴者，在现有相关的教科书里，却很少涉及到。

因此，面对问题，这类学生大多都是依靠教师的帮助来解决，很少能依靠现有的书籍和资料来辅助学习和完成自习。

而对教师来说，实践上的经验往往是不全面的，特别是对于某些较为特殊的问题，一时也找不出很好的解决办法。

一、钢琴与小提琴的共性和个性钢琴是最理想的多声乐器，它宽广的音域、巨大的音量变化幅度，使它可以独自成为一个完整的音乐世界。

在这个世界里，作曲家们绝妙的音乐思维可以自由地纵横驰骋。

它丰富、细腻、洪亮的音响，被人们所称赞，人们称之为“乐器之王”。

有了“乐器之王”，当然就有“乐器之后”，它就是小提琴。

小提琴属提琴族乐器中的高音乐器，艺术表现力丰富，音色优美，表达含蓄，变化多端，具有歌唱般的魅力。

它是最能表达感情的乐器之一，许多作曲家用它来唤起听众的共鸣。

虽然钢琴和小提琴有各自的特点，但总的来说，它们都是乐器中比较常见的乐器，也是学生器乐学习的通选乐器。

这两种乐器都是源自西方国家，都经过了上百年的继承和改良，成为了人所皆知的乐器，而相应的优秀作品，也源源不断的继承与流传下来。

我们在面对一件的乐器时，可以根据其各自的特点去把握乐器。

钢琴是属于键盘乐器，它所要解决的重点问题就是手指的运用和力量的问题，而小提琴，则主要是解决音准和运弓的问题。

可无论是小提琴还是钢琴，在学琴的过程中，也有很多相同的，如演奏者必须拥有的音乐素养、必须掌握的基本技术和音乐知识等等。

那么，在已经有了一定的小提琴基础的情况下，将如何去学习钢琴，权衡互相间的利与弊呢？二、学习钢琴之前学习小提琴的“利” 在这个问题上，我们根据小提琴与钢琴的共性，以三个方面来探讨，即演奏技术、音乐音响、音乐知识与音乐修养方面。

（一）演奏技术 演奏技术是完成一首曲子的基础，它主要是指人的肢体经过训练后所具备的在乐器上演奏出构成乐曲乐音的能力。

这种能力，可概括为局部的灵敏、灵活、独立、力量、速度、反应以及对它们的自如控制；在整体上，这种能力则是指完美地协调它们之间的熟练程度。

在学琴的过程中，演奏技术往往是学琴者最主要的学习内容之一。

“放松”无论是何种乐器，要想拥有很好的演奏技术，就必须先掌握“放松”，它是非常重要的。

“放松”是使音乐与技术结合的纽带①，它可以使音色丰富、柔亮、宽厚、多变；它可以使技术的获得变得轻松自如；它可以使演奏者自如、从容、自信、大胆。

可以说，不管是小提琴还是钢琴，它们的技术全部都是建立在“放松”的基础上的。

那么何为“放松”呢？ 在司徒华城的《论小提琴演奏的几个问题》②中，他对“放松”一词明确了其含义。

他认为“‘放松’是对着‘紧张’而言的，放松不等于不用力气，没有一定的紧张度同样也是拉不好琴的。

我们说的‘紧张’，是指过分的用力所造成的不自然状态，所以，与其说‘放松’，倒不如说‘自然’更为确切些。

”而林耀基老师也说过，“放松就是去掉多余的力”③。

这就是说，真正的放松，是手指、手臂和肢体在演奏中以最自然的状态运动。

因此，在学拉琴之前，要先学会正确的运用手臂肌肉的力量，在最自然的状态下适当的用力。

同样的，在钢琴的演奏中，特别是在手指的快速运动中，更加要求手臂、肩膀的力量必须自然的放松，要在自然的状态下将力量传达到手指尖。

这种“放松”，虽然跟在演奏小提琴时的“放松”不尽相同，但都是一个理，都是需要手指、手臂和肢体在演奏中以最自然的状态运动。

比如说在刚学琴时，姿势手势是最重要的。

小提琴的姿势比起钢琴的，是比较不自然的，是较为容易紧张的。

这是由于小提琴在持琴时，两手是举起悬空的，不像钢琴，起码有手指作为支撑点。

但无论是左手还是右手，它的手臂都必须是处于放松状态。

就像吊桥一样，特别是左手，肩膀和大拇指是头尾两个固定点，中间的手臂自然放松，可以随着手指换弦而调整它的位置，这和钢琴的姿势不谋而合。

T·涅高玆在论“放松”中，也用过这样的比喻：“我常常把整只手（从肩部到指尖）比作一个吊桥，桥的一端固定在肩关节上，而另一端则固定在接触键盘的手指上。

‘桥身’灵活而富有弹性，而它的支柱却是牢固而稳定的。

” ④ 学生拉奏或弹奏之所以会呈现紧张状态，最主要的原因是由于心理上对乐器产生一种自然畏惧的情感，在学生刚开始接触乐器时，往往会因为面对着新事物，在接受时出现不自然的感觉，而在心理上产生对乐器的恐慌。

特别是小提琴，持琴者不太自然的姿势更容易引起这种恐慌。

在适应了小提琴后再去接触钢琴，虽不像之前那般的恐慌，但心理上多多少少还是会有对新事物的潜意识抗拒，这时作为教师，可以引导学生把钢琴与他所熟悉的小提琴联系起来，指出它们之间的共同点，树立起学生的信心，减轻学生的心理负担，以帮助他们更快地度过“恐慌期”，从根本上解除学习过程中手指手臂的紧张状态。

反应能力和协调能力 有了“放松”的基础，学生会较好地掌握演奏技术。

学琴者在掌握演奏技术时，要面对一种困难，那就是反应能力和协调能力。

对此，有些学生天分较好，有些则较为不理想，但无论如何，能力是可以通过长时间的训练来提高的。

小提琴要求学琴者必须拥有较高水平的反应能力和协调能力。

而这种高水平的反应能力和协调能力，是要在我们的大脑开发得比较全面和平衡的前提下，才能发挥出来的。

为何现在越来越多的家长会送孩子去学一种乐器呢？答案很清楚，是为了提高孩子的人文素质，加强孩子的修养等等，但最终的目的，还是为了开发孩子的智商。

人的大脑支配着他的身体，我们行动的思想经由大脑传递到我们的四肢，指挥我们的行动。

医学已经证明，我们的左脑控制我们的右手和右脚，相对的，我们的右脑则控制着我们的左手和左脚。

由于我们的右手比较常用，因此相对的，我们的右手要比左手更有力量，这样一来，我们的左脑就比右脑开发得多。

小提琴是由左手来决定旋律，它对左手的运用要求比较高。

学琴者随着学习深度的加深，高难度的技术要求左手的运用更自如。

鉴于以上这种情形，可以判断，学习小提琴在很大程度上开发了我们的右脑。

这样一来，我们的大脑就会比较平衡的发展，虽不能完全平衡，但起码差距不会太大。

从另一个角度来说，右脑的开发让我们大脑的空间扩大了，这样更有利于我们的学习和记忆。

小提琴的学习开发了大脑，从而提高了我们的反应能力。

比如，在快速演奏音符时，我们一边要快速辨认谱上的音符，一边要快速地找到相对应的手指位置，同时面对曲子的强弱变化，还要在最短的时间里作出反应。

在钢琴的学习中是需要快速的反应能力。

在演奏钢琴时，演奏者也是要一边快速辨认谱上的音符，一边找到相应的琴键位置，而且，钢琴是左右手两行谱，一行是高音谱号，一行是低音谱号，音符是不同的线间位置，这更增加了视谱的难度。

有了小提琴反应能力的积累训练，在学习钢琴时，就可以更好地加以利用，促进钢琴的有效学习。

大脑的开发，不仅是提高了反应能力，同时也提高了协调能力。

众所周知，小提琴演奏时两只手的运动方向都不一致，左手是手指的独立快速的向手掌心运动，每个手指都必须独立、有力量，手指的各个关节都能灵活运动，以适应各种指法。

而右手则主要是手臂、手腕的运动，它要求腕关节和肘关节要灵活运用，以适应各种弓法的需求。

这样，要使两只做着不同运动的手，在琴上演奏出优美的音乐，就需要两只手具有极高的协调能力。

这种肢体的协调能力，在小提琴的学习过程中不断地积累和提高，并能帮助学生在钢琴的学习过程中，比较好地掌握技术。

周铭孙在《声音与技术》这篇论文中讲过：“在弹琴时，从身体接触琴凳开始到手指接触键盘，应该是一个可以灵活调节的整体。

” ⑤像许多钢琴曲需要踏板的辅助，如音后踏板、点踏等那样，两手之间和右脚的协调，需要更高的协调能力。

（二）音乐音响什么是音乐？T·涅高兹这样描述过：“音乐是声音的艺术，其中没有看得见的形象，它也不是用文字和概念来表达的，它只用声音来表达。

可是声音也像文字、概念和可见的形象一样，能够表达得清楚易懂……” ⑥可见，音乐不单单是单纯的声音，它是有生命的，因为它是心的表白。

在器乐的音乐构成中，有两个非常重要的基础元素，一个是音准，还有一个则是音色。

音准就像是音乐生命的“细胞”，有了“细胞”，才能构建生命的框架。

而音色则像是生命的“养分”，有了“养分”，生命才完美。

下面我们将对这两个问题做进一步探讨。

音准与音律音准是艺术性演奏的必要条件，音不准就无法恰当地表现声音的美、乐句处理的细腻和曲式的清楚，因此，要想学好音乐，或者可以这样说，要想学好乐器，首先必需先练好你的音准。

这里我们先来谈谈小提琴的音准问题。

小提琴的音准特征是准许有一定的自由，但这种音准也有它的界限。

在这准许的界限里，每个演奏者都有其个人的发音方法、自己的标准，而这取决于演奏者对音乐的个人理解和处理。

因此，在小提琴的学习中，教师对学生音准的要求是比任何一种乐器都更高、更严厉。

特别是在换把位的时候，在保证技术动作的同时，还要保证音准，这就要求学生必需拥有精确的音准概念，这种概念不单是单音的音准概念，还包括和声、旋律线条的音准概念。

为什么要分单音音准和和声、旋律线条音准呢？因为在小提琴的演奏中，不单只用到一种音律。

下面我们来谈谈音律。

关于音准与音律，林耀基曾作过这样的阐释：“当以旋律为主的时候，照顾旋律，偏向五度相生律一点；如果以和弦为主或是分解和弦的时候，就要照顾和声，偏向纯律一点；如果与钢琴是八度关系，则自然要跟钢琴一致用十二平均律；如果钢琴奏的是和弦的根音，而小提琴是它上面的五音或三音，那么应该以平均律的根音为基础，用其他两律与它的相对关系来调整音高。

” ⑦依林耀基的观点，小提琴是“集各律为我所用”。

可见，小提琴的演奏者，他的音准要求需要何其精确。

而有了这么精确的音准概念，对钢琴的学习会有很大的帮助，因为虽然钢琴没有什么音准问题，而且它是用单一种音律，就是十二平均律，但在对乐曲的掌握上还是有帮助的，尤其是旋律线条较清楚的乐曲，其中最突出的就是复调，演奏者不但要清楚各声部的旋律线条，还要顾及它的和声走向，既要有线条感，也要有立体感。

学琴者在面对复调音乐时，可以运用以前所学的律制知识，帮助他更好地掌握钢琴的演奏。

音色关于音色这方面的话题，很多著名的音乐家都做过详细的阐述，简言之，音色就是有内容的乐音、有艺术想象力的乐音。

如本文前面所说，“音乐就是声音的艺术”，它不单包含简单的发音，而是用悦耳的声音表达思想感情，那么这些发音，就有了内容，有了可以让人假想的艺术空间。

在众多的乐器世界里，只有小提琴能拥有最多的音色。

小提琴是歌唱性的乐器，它最动人之处就在于“唱”⑧，要唱出不同的情感，开心的、悲伤的、激动的、宁静的、赞扬的、诙谐的……这些丰富的音色，在小提琴上是较容易体现出来的。

小提琴力度的变化必然伴随着色调的变化，再加上左手的揉弦变化，就可以演奏出色彩斑斓的音色，为表现无限变幻的情绪提供最大的可能性。

如此丰富的音色，学生在接触各种不同风格的乐曲时，自然也掌握了绝大部分，虽不能很好地去演绎，但起码能清楚地分辨出来，这对钢琴乐曲的学习，特别是对音色的识别和乐曲的风格掌握上都会有很大的帮助。

掌握了音色的分辨，进而可以帮助学生调整弹奏方法和姿势，以获得更好的音色。

比如在演奏抒情的乐曲时，就需要柔美、缠绵的音色，可在钢琴上，由于钢琴是手指敲击琴键发出饱满的音，这样的音是带有颗粒感的，想要得到缠绵的音色，除了需要踏板的辅助外，更需要手指的力度控制。

有了以前较细腻的音色分辨能力的帮助，学生可以更好地用各种力度，寻找到即健康又符合要求的音色。

因此，无论是学生还是教师，要好好地利用这个优势，演奏出富有表情、歌唱性的乐曲。

（三）音乐知识与音乐修养音乐，虽然是属于艺术类别的学科，但是它也是有它的历史文化发展的，像其他的学科一样，它需要大量的理论体系做基础的，如基本乐理、复调、和声、曲式分析、音乐史等等，还需要较高的修养做底蕴，才能真正地进入到这一学科的领域中，在这艺术之洋里自由畅游。

所以，要真正地理解音乐，就需要先了解它的理论体系。

小提琴和钢琴都是西洋乐器，虽然它们的起源都不一样，但都是在同样的文化背景下发展起来的，因此，这两件乐器的理论体系是相似的，了解了这一点，那么就可以从中得到我们想要的知识。

音乐知识音乐知识的内容很丰富，以学习小提琴为例，我们要学习小提琴，就要先学会识谱，就像我们要学习文章，就要先学习认字。

在音乐的世界里，音符就像我们的“字”，还有各种表情术语记号，就像我们的“词组”。

认了“字”了，才可以开始了解“句子”。

在音乐世界里，了解“句子”的结构就是要学会节奏节拍、各种音型。

贝多芬曾这样说：“理解音乐最不可缺少的是节奏。

”⑨节奏很重要，是因为节奏是作为旋律的主要构成部分，是音乐的“骨架”，就像“句子”一样，是一篇文章的骨架。

了解了“句子”，就可以开始“读书”，划“段落”，分析文章“结构”，这就需要有和声的基础、曲式分析的理论基础，才能作出正确的分析。

现在可以学习“文章”了，而学习的目的就是要从中把握作者的思想感情、了解作者的创作背景、了解整个文化渊源。

不只是学习小提琴，只要是在音乐的世界里学习，都必须具备以上的条件，钢琴也一样，因此，有了小提琴基础的学生，在学习钢琴时，就可以直接在“文章”的学习上下工夫。

虽然钢琴和小提琴两者的产生年代不同，但起码是在同一背景之下发展起来的，我们大可以利用之前积累的知识，帮助自己更好地学习钢琴的“文章”。

音乐修养说到修养，它是跟学识结合起来的，演奏者音乐方面的学识越多，修养就越高，就能够越准确地解释不同时期、风格、作曲家的不同作品。

例如：巴赫的《bE小调前奏曲》，主旋律庄严而肃穆；贝多芬的《热情奏鸣曲》，主题旋律刚劲而带哲理性；舒曼的《梦幻曲》，主题温暖而悠长；肖邦的《bB小调夜曲》，主题旋律像抒情诗一般的柔美；柴科夫斯基的《十月——秋之歌》，主题旋律细腻而略带忧伤……不同性质的旋律如果都用单一的理解和同一种方法去演奏，就不能表达作品的意义和艺术风格。

因此，要成为一个优秀的演奏家就必须善于学习、观察和思考，这不单包括前面讲的音乐知识，还包括其它的姐妹艺术，吸取其精华，如戏剧的严谨性与戏剧性、诗歌精炼的语言与寓意、美术的线条与丰富的色彩、舞蹈的动静韵律、声乐的歌唱性与气息呼吸的自如运用等，从中得到启迪。

这些在作为小提琴的学习时，也是必修课程之一，是最为重要的修养课程，因此，在有了一定基础的修养时，在钢琴学习中，可以更好提高这种修养，更完善自己。

经过以上的简单阐述，我们可以了解到，钢琴和小提琴的学习大部分是互通的。

在有了一定的小提琴知识的基础上，对钢琴的学习是有非常大的帮助的，教师和学生都应该好好运用这些资本，为更好的学习提供全面的服务。

三、小提琴学习对钢琴学习的“弊” 小提琴和钢琴虽然同是西洋乐器，这两种乐器的学习也是互通的，但毕竟这是两种不同的乐器，小提琴是拉弦乐器，而钢琴是键盘乐器，多多少少是有冲突和矛盾的地方的。

下面我们将把比较常见的提出来。

1、演奏技术方面应注意的问题 由于小提琴和钢琴是两个不同的乐器，所以它们的演奏技术也是不同的。

如在手指的运动规律和力度的使用方面，小提琴和钢琴是截然不同的。

在演奏小提琴时，只有左手的手指需要做大量的运动。

因为它既要持琴又要按弦，所以手指不能紧捏琴颈，而且手指要灵活轻松。

扬凯列维奇认为：“手指按弦的正确力量是小提琴演奏的基本问题之一，它不仅决定小提琴技术的完美、轻捷，而且还决定声音的质量。

”他还认为：“琴弦按得不充分会使声音发虚和失真，逐步增强按指力量，我们就会获得纯净的、优质的音。

” ⑩这就是说，小提琴的左手在按弦时，只要用适当的力使琴弦完全抵住指板就可以了。

钢琴则不同。

钢琴大师鲁宾斯坦说过：“演奏钢琴的最大秘诀是：在正确的地方，用正确的指法弹奏正确的琴键。

” ⑾钢琴和小提琴不同，由于钢琴的结构特性，要弹奏出健康的音，手指必须抬起适当的高度，用适当的速度和力量去敲击正确的琴键位置，这跟小提琴的左手是完全不同的，所以在这方面，学生要注意克服已经习惯了的左手手指力度感，在钢琴上要正确使用指法，坚持做手指独立和力度的训练。

除了手指的运用不同之外，还要注意两手的协调。

在小提琴上，左手主要是手指的运动，而右手则是手臂的运弓，各种弓法与手指的运动之间相互联系，所以两手间的协调其实是左手的手指与右手的手臂之间的协调。

已经习惯了这种协调方式的学生，在钢琴的学习中，要注意克服手臂的多余动作。

在钢琴演奏中，它的协调是在两手各自的手指间和右脚的踏板使用，两只手的手指做着不同速度、力度的运动，手臂的使用是随着手指的运动和乐曲的需要而辅助的，因此要注意不要出现太多的无用动作，这样反而会阻碍到手指的运动。

除此之外，还要注意肩部的放松。

由于小提琴的琴身是用左肩和左手来固定，因此在演奏中的某些需要，会让左肩处于紧张状态。

但在钢琴的演奏中，最忌讳的就是身体的紧张。

因此，教师和学生要注意演奏时肩部由于紧张而造成的耸肩的习惯。

2、音乐方面的影响虽然小提琴和钢琴是在同一历史文化背景下发展起来的，但由于各自的属性，因此在音乐方面有很大的不同。

小提琴是“歌唱性”的乐器，它是最接近人声，因此它的音乐大多是比较抒情、柔美、富有歌唱性的，演奏时要求的力度没那么大，它是“女性化”的。

而钢琴是“交响乐性”的乐器，它的音乐涉及很广的范围，有抒情的，也有宏伟的，演奏时要求力度的使用是非常广泛的，它是“男性化”的。

在已经习惯了“女性化”的小提琴，再去演奏完全“男性化”的钢琴时，往往会出现“阳刚之气”不足的情况。

这就要求学生要扩大知识面，提高自己的音乐修养，从而在钢琴的学习中更为正确的掌握知识。

通过上面方方面面的简单介绍，我们简单地了解了小提琴和钢琴的共性和个性，初步探讨了学习钢琴之前学习小提琴的利弊问题。

虽然小提琴的演奏技术和音乐上的某些方面会有矛盾，会阻碍和影响到钢琴的顺利学习，但有利的条件还是占绝大部分。

在演奏技术上，学习小提琴时克服了紧张的心理负担，使得心理和肢体可以彻底地放松，进而让演奏技术得到更好的提高，而在之后的钢琴学习中，学生可以用更好的放松状态去迎接钢琴的演奏技术，提高了学习的质量；学习小提琴时潜移默化地提高了反应能力和协调能力，这对钢琴的学习也是很有帮助，起码可以用更少的时间去学习更多的钢琴演奏技术。

在音乐音响方面，小提琴对音准音质的严厉、高水平要求，对钢琴学习中音色、色彩的掌握有很好的帮助。

在知识修养方面，它的帮助更是多得数不胜数，可以说是完全为其服务。

总的来说，有了一定的小提琴基础之后再去学习钢琴，有利条件比阻碍和困难来得更多。