如今单簧管越来越普及，演奏的人也越来越多，乐器的制作也越来越精良。

单簧管演奏的训练涉及很多问题，本文仅对单簧管教学中值得注意的一些问题做一些浅显的论述。

　　　　首先是气息的运用。

单簧管的气息运用如同弦乐器的运弓技术，气息运用的优劣关系到乐器声音的质量。

呼吸的方法无疑是非常重要的。

在单簧管演奏中,气息分为"呼"和"吸",也就是人们常说的"呼吸"。

能否科学地运用呼吸,直接影响着音色的变化、音质的好坏。

还有高低音的控制、对于吐音是否清晰、力度的强弱变化、乐句的逻辑表现等等起着重要的作用。

这些都和呼吸有着密切的关联,因此,呼吸训练是演奏单簧管的重要内容之一。

单簧管主要采用腹式呼吸法和胸腹式呼吸法。

腹部的肌肉较多，对呼吸的控制力很强，在单簧管演奏中必须要有腹部肌肉的支持。

而控制胸腔的肌肉相对较少，因此，如果仅用胸式呼吸就不能对气息进行有效地控制。

长音练习是训练气息的重要方法。

在教学中，很多初学的学生不注重长音的训练，从而导致发音不稳定或音色不好。

长音是练习单簧管的学生每天所必做的练习之一，因为长音练习包含了正确的口形与运用自如的气息控制，是单簧管最初的练习步骤，也是提升演奏水平最有效的关键基本功，是提高所有技巧的重要基础。

练习者可以从长音练习中锻炼准确的口形、气息、音质、音色、节奏、旋律等感觉，这也是初学者需要特别重视的问题。

长音练习往往被一些学生忽视，他们认为长音很简单，而且练习枯燥无味。

特别是对那些只想演奏考级曲目的人来说，更觉得练长音似乎是在浪费时间，不如吹乐曲那么容易被看得见自己的进步。

其实长音不但重要，而且也有着非常丰富的训练内容。

此外，呼气在演奏中也起着重要的调整作用。

学生往往对于呼气不够重视，在演奏一些较长的乐曲时，正确的呼气就显得尤为重要。

在演奏每一个乐句时，一般都不可能将肺部的气息全部用尽，呼气可以调整呼吸的节奏，使演奏更加通畅、自然。

　　　　演奏的口型也是非常重要的因素。

口型是吹奏方法的灵魂,口型关系到乐器的共振、音色的变化等因素，甚至对演奏的其他方面都有着间接地影响，比如吐音和运指的灵活性也有影响。

目前，单簧管演奏的口型主要采用单包式，下嘴唇轻轻包住下牙,下巴平展,嘴角向两边斜上方拉起,上牙贴在笛头上,但不能过于用力"咬"住笛头，需要给簧片留出充分震动的余地，在力度上要注意两边收紧，上下放松。

此外，低音与高音的哨片震动的幅度有一定的差异，在控制低音的时候口型要适当放松，让哨片充分震动。

正确的口型往往比较费力，初学的学生在练习时经常不自觉的变化口型，采用省力但不正确的方法。

这时可以让他们对着镜子练习，时刻关注自己的口型与演奏的姿势，通过一段时间的训练，学生就能够将正确的口型确定下来。

口型对音质、音色的优劣起着重要的作用。

只有采用正确的口型,才能让乐器谐调震动，发出良好的声音。

　　　　吐音在单簧管演奏中是比较难掌握的技术，舌头的运用在演奏中是至关重要的。

初学的学生在吐音时舌头的运动经常过大，严重影响吐音的效果。

舌头和人类的其他肢体器官一样，越靠前端越灵敏，因此在演奏吐音的过程中，舌头的感觉应该靠前端。

只有这样，舌头才能发挥到它最灵敏的程度。

为了保证每个音头的圆润，舌头的触点应该靠哨片的前端。

在演奏吐音的时候要注意保持口型和气息的稳定。

由于演奏中舌头的运动在口腔内部，学生不能够直接看到，因此，必须通过讲解让学生自己寻找感觉，找到正确的运舌方法。

口型不稳定通常是舌头紧张造成的问题，这样不仅会对吐音的质量造成影响，同时也会造成手指与舌头配合上的困难。

演奏中，舌头必须处于放松、自然的状态才能演奏出均匀、快速的吐音。

在演奏快速吐音时，舌头与手指的高度协调一致也是单簧管练习中的一个重要的难点。

学生在练习时首先必须掌握正确的运舌和运指的方法，然后还需要经过大量的练习，才能逐步形成舌头与手指的协调一致。

　　　　指法的合理运用也是单簧管演奏中的重要环节。

每个人手的自然条件都不一样，手掌的大小，手指的长短和独立性都各有差异。

每个学生在演奏的时候都会根据个人的特殊情况进行适当的调整。

但是正确合理的手型还是有一个普遍的要求，那就是手指、手腕谐调一致，采用正确的手指部位触及正确的键位。

首先是指托的位置，这一位置根据手掌的大小和手指的长短来确定，但必须能够稳定地支撑乐器。

其它各手指自然弯曲呈弧形，使指端能够自然准确地触及音孔和按键。

手指在按键时要果断、干净，不能犹豫、含糊。

在教学中，有些学生没有调整好手指的位置，出现按键时指关节凹陷。

这样以来，触及键子或音孔的部位就不是手指前端肉最多的指端，很可能会造成音孔漏气，严重影响发音质量。

对于手指的运动来说，这样的手型也是非常不科学的，手指前端的运动和触觉都非常灵敏，关节的凹陷会使手指运动的灵敏性大大降低，也会对演奏造成严重的影响。

　　　　对于作品的正确理解也演奏中非常重要的因素。

尊重作品首先要对作品有充分的认识和理解，将乐曲音符和标记尽可能完善地表现出来，也就是演奏者首先要忠于作者的意图及其标记。

有些学生在演奏中完全不重视乐谱中的力度标记，他们认为这些休止似乎并不重要，甚至有许多人不知道如何去对待休止符。

在他们看来休止符似乎是为了休息，如果在演奏中感觉不需要换气，休止符就成了多余的东西了。

很多学生也都不能认真体会休止的艺术价值。

在演奏中休止符往往能引起听者更多的注意，这就如同配器中的保留手法，给人以情绪上的对比，赋予人想象的空间，更可以产生对比的戏剧性效果。

我们可以认为休止符并不是旋律中断，而是旋律在另一个空间的发展。

准确地理解和演奏作品，还涉到其他很多方面。

从教师的角度，需要耐心地去引导学生，使他们在演奏中忠实于作者，养成良好的习惯。

只有这样，才能使自己的情感真正的融入音乐作品之中，从而形成具有情感表现力的演奏风格。

只有在尊重作品、准确演奏作品的基础上，才能进一步融进个性化的风格，使自己的演奏富有情绪与感染力。