作曲的技巧,有很多人都在谈,很多人都在和弦上花工夫。
也有一些人完全按照感觉来写。
诚然,按照下行5度和弦圈的经典走位,旋律怎么写都不是很难听,但学一些作曲的另外一些技巧,也许你的旋律会有另外一番天地。
小生在这里抛砖引玉,希望大家都来谈谈自己的看法。
小生写的不当之处,恳请各位高手指正。
流行歌曲创作:1:先有词后有曲。
2:先有曲后有词。
这里我只谈第二种情况,即先曲后词。
一:倒影。
就像你在河上,看到河里自己的影子。
如:33345 33321在五线谱中,以3横线,就会发现,345往下翻180度的话,其旋律线条就会和321吻合。
这样写出来的旋律,不会很散。
二:模进。
模进分严格模进和自由模进。
严格模进要求各旋律音程之间完全一样。
旋律线条也要完全一致。
如:3323 2212自由模进则没有这个限制。
如:1123 3345(1和2之间是全音,3和4之间是半音,音程不同)三:重复。
重复永远是音乐中不二法门,从段重复到小节重复,几乎每个作品中都可以看到他的影子。
(注意,重复也是同度模进)四:对格。
艺术都是相通的。
在文学中某些技巧,放到音乐里也完全适用。
在一些诗联中,第一句的最后一个字,是第二联的第一个字。
放到音乐中的话,就是第一句最后一个音符,是第二句的第一个音符。
然后依次类推。
如:123 312 234 465大家注意,前面的最后一个音符,都是后面的第一个音符。
在李宗盛的鬼迷心窍中,通篇都是使用的对格的技巧。
大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。
五:前面说到艺术是相通的,并借用了文学技巧,这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。
1:疏密有致。
在国画中,如果中间画了很多的树,在四周一定要留出大量空白的地方。
这样眼睛才不会累。
同样在音乐中,前面几小节如果节奏部分非常密集,后面一定要多写些长音。
如果前面旋律起伏非常大,那么后面一定要把旋律安排地平稳些,而起到一个平衡的作用。
2:有深有浅。
国画中,你不可能一张画全用一种颜色,就算是黑,也分深黑,墨黑,浅黑,灰等等。
同样道理也可以放到音乐中,如果前面两小节你都使用上行的旋律,如:1123 3345,后面你最好使用下行或者平行的旋律,如5442等,这样让人感觉旋律有起伏有变化了,听觉上比较舒服,也符合自然规律。
最极端的例子,就是陈升的把悲伤留给自己,开头第一到第二句,旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1,音程跨度纯四度+纯八度。
第三句开始慢慢下降,从高音1下降到底音6,音程跨度8度加小三度。
给人感觉旋律起伏很大,感情全部发挥出来了,然后第四句旋律开始走稳。
六:变音。
变音一般而言就是升降音符。
用一些,会给人非常新鲜的感觉,也容易使情感更加饱满。
一首歌,变音用的好不好,很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。
一般说,表现明亮色彩的用大调,忧伤或温柔的用小调。
我们也可以把大调的3音降半度,来表达忧伤或温柔。
在小调中,多使用#4和#5,那是绝对不会错的,因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。
如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律,除了节奏上多用切分音符外,用b3和b7是不二法门,其实,这也是JAZZ的特有音阶。
我想举几个例子来说明。
罗大佑在爱的诤言里,A段第三句,用了:#1 2 3的级进,给人一种忧伤的感觉,而且非常新鲜。
李泉的爱的颜色中(好象是这个歌名,记不太清了)用了:5 6 7 #1的旋律级进,四个全音连续上行,把感情发挥到了极至,也给人一种耳目一新的感觉。
橄榄树是一首非常经典的老歌,作者用了#4作为承上启下,收到非常好效果。
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