七:关于调式的运用。
在古典音乐里,什么调抒发什么情感,是明亮的,是灰暗的,是雄壮的等等,都有严格要求,一般不会变化。
但在流行音乐里,就没有这种限制了,一般定调是根据歌手的音域来的。
男歌手一般最高音定在G上。
(钢琴上叫小字二组G,吉他上是第一弦的第三品)。
如果太高,降一度也够了。
女歌手音域要比男的高八度,所以,一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。
吉他是第二弦空弦)。
太高的话也降一度。
但,这个不是绝对的,只是一个大致的范围,帕瓦罗地这小子,据说可以唱到高音#C。
乖乖,大家可以在琴上感觉一下,钢琴是小字三组的#C,吉他是第一弦第九品。
第九品啊,我到第四品就要用假声了。
呵呵。
好象林志炫,孙楠也都可以唱到HIGH C,也是很厉害的男高音。
呀,我扯到哪去了?不好意思,言归正转。
调性上对比是非常有趣的,也是非常好玩的。
一首歌前面如果是小调,后面改用大调。
前面如果是C调,甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调),都是可以的。
可以让听众耳朵一亮。
但请不要忘记,调是为歌服务的,转调是为了更好的抒发情感。
所以不管你转成什么怪调,一定不能为了转而转。
举几个例子:齐秦的大约在冬季,他在第一段开头用大调(1开头),结尾是小调(6结尾),副歌部分也是小调,就很好的抒发了作者面对离别是的情绪。
还有罗大佑的你的样子,主歌是B小调,副歌转成#C小调(好象是,具体忘记了)我听过最夸张的是罗大佑写的思念,如果主歌部分是天使的话,那么副歌就变成魔鬼了,简直不是一首歌,好象是两首歌拼出来的,但能拼成他那样,也是高手中的高高手了。
张国荣的共同度过,相信大家一定听过,本来旋律并非很出彩,副歌部分也是一般,但作者(是个小日本,名字忘记了),连续用了四个转调,把感情全部唱出来了。
不敢想象,如果这首歌一个调从头唱到尾的话,5分钟的时间,大家恐怕就要睡着了。
转调在间奏里也用的比较多,还有离调,但这是遍曲的范围,要说的话,一年也说不清楚。
所以这里就不详细说了。
只是一点,如果间奏忽然转调了,那么在结尾的时候,一定要再转回原调,否则歌手不能唱了。
调性也乱了。
还有一个很有趣的现象,在很多书中,几乎99%的音乐书里,都说结尾一定要5级和声转到一级和声,就是C调的话,结尾一定要从G到C才可以。
不然不及格。
但有不少歌曲里面结尾并不到C,而是G到#G(就是#5 1 #2),在听觉上非常新鲜。
还有G到G增和弦。
就是(5 1 2)也非常新鲜。
有一种意犹未尽的感觉。
大家可以试试。
关于调式还有很多,印度音乐里,把3和4这一对半音兄弟,再切一半,变成12音音阶。
更难唱。
光音阶上的变化就有几十种,还分上行和下行,还不包括临时变音,我本人也不是很懂,所以各位就马马虎虎看看算了,也希望懂的人进来说说。
我就不献丑了。
八:关于段落段落分一段体,两段体,三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似。
简单地说,对比就是前面比较舒缓,后面比较高昂。
前面比较紧凑,后面比较庸散。
从文学上分析,如果你想用对比来创作的话,前面是叙事的话,后面一定要改成抒情。
从音乐上来的话,前面如果旋律比较平,后面就大胆的多点起伏,前面节奏多用4分音符的话,后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显的看到。
一般副歌部分总是比较高潮。
而前面总比较缓慢。
但这不是绝对的。
任何艺术创作都不是绝对的。
你也可以安排整首歌都是一个样子,写的好的话,也是可以的。
一段体大多都是小歌,如兰花草,雪绒花等等。
学吉他的人一定知道,是吉他入门的必弹曲。
如果写的好,那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高,旋律一定要好听,否则不行。
现在三段体的也很多,如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转),那英大姐的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等,大家可以听听看。
在音乐里的作用嘛,括号里都写了),关于起承转合的东西,下一讲再说把。
这里插一句,有一个很有趣的现象,数学里面有黄金分割点,大概是四分之三左右(0.618)。
按照美学里的观念是最完美的点。
同样道理,也可以用到音乐上来。
一首三分钟的歌,在黄金分割点上,大概2分多钟的时候,总是一个歌最最好听的时候,很多高潮部分,也是一首歌最最精华的部分,90%以上,总是在黄金分割点的时候出现。
在编曲上尤其是这样。
黄金分割点,也是最容易打动听众的点,也是最容易渲染感情的点。
在我们平时聚会时,一半已经过去,再聊一会儿,就是最容易起高潮的时候。
打麻将也是这样,差不多要结束时,往往就是翻翻最多的时候………天那,我说到哪里了?怎么说到麻将上去了?对不起对不起。
我们重新回来。
九:关于乐句。
乐句,顾名思义,就是句子。
在文学中,有诗词歌赋,规定了字的格式和数量,在音乐里,名字就差了些,没有那么好听。
幸好也没那么多的规定。
一般有aaaa aaba aabc abcd等等比较常用。
还有不规整的三句式的,如张宇的用心良苦就是三句式的。
还有五句的,六句的,七句的,比较少。
四句的我们可以把他看作为诗中的起承转合。
开头就是起,一般都是有音乐动机组成的,是写歌的一个动机所在。
第二句就要发展了,具体发展因人而异,具体手法可以看上篇。
第三句就是转,是主歌部分最精华所在,转的好不好,就是一个歌好不好了。
很多优秀的音乐人都在这里大做文章。
如果前面两句用上行旋律比较多的,第三句一定不要用,改成下行。
前面如果旋律比较平和,到这里,一定要写的凹凸些,就象美女的线条,呵呵。
用一些变音什么的,节奏改一些,也是非常常见的手法。
第四句叫合。
是前三句的总结,有人把第一句照搬,那是最简单的办法。
也有人把前面三句用到的动机,整合在一起作为第四句,也未尝不可。
实际上,创作手法是多样化的,主要看情绪发展,你想表达什么。
十:关于曲和词的结合。
1切忌倒句。
汉字有本身的发音,1234声,念的时候,大家都严格按照发声的,上入声,本来也包含了音乐成分在里面。
如果没有按照发声规律念,很容易就变成另外的意思了。
而在音乐创作中,这是最最最最忌讳的,我这里用了四个最,可见非同小可。
怎么说呢,大家可能还是一团雾水。
我举几个例子把。
我以前读书的时候,老师就讲,有一个写词的,写了句:雨天,我把你画在窗上。
本来是很优美的,雨天有雾气,作者用手指把思念的人的样子画在窗上。
很美的感觉。
请注意,窗是第一声。
可后来写曲了,那个作者写成旋律,一唱,大家都听成:雨天,我把你画在床上。
床上?在床上画思念的人,那不变成自慰了?郑秀文有一首歌,名字忘记了,歌词里有句是:你是我的主打歌,写曲的也用了倒音,把原本汉字的发声全部取消掉了,很容易让人听成,你是我的猪大哥。
事实上,我一开始听也以为是猪大哥了。
2:风格一样。
词的感觉明明是摇滚的,曲子却写成民谣的,那听上去感觉一定不行。
曲子是古典风味的,而词的感觉却是很现代的,那感觉多别扭?齐豫以前有盘专集,曲子都是从古典音乐里出的,从新填上词唱,感觉总不好。
因为那是人家为器乐而写的曲子,改成人声了,一定不好。
有倩女幽魂大家一定听过,曲子非常典雅的五声音阶。
如果把词改成HIP-HOP的说唱,大家可以想象要有多难听就有多难听。
十一,最高境界。
鲁迅先生说过,文学的最高境界就是,添一字嫌太肥,减一字嫌太瘦(大概这个意思),就是说,好的文章,你一个字都不能增减。
好的曲子也是一样。
加任何一个音符进去,你都觉得不好,删除任何一个音符,你都觉得不对,到了那个时候,就是曲子最完美的时候。
你试着把巴赫的复调加音符进去,你就会发现,你加在任何一小节,其他地方都要作很大的改动,而改好之后,你又会发现,完了,这还能听吗?完全不对了。
这就是这小子的伟大的地方。
但流行音乐有所不同,因为要加歌词。
我个人认为,词是为曲服务的。
是依附在曲子上的。
所以宁可让词牺牲点,也尽量不去改动曲子。
可能有很多人不同意我的看法。
在创作上,到底是先有曲后有词好,还是先有词后有曲好,多年来争论不休。
其实,港台地区,大多数都是先曲后词(他们叫填词)。
大陆地区,大多数都是先词后曲。
(我们叫写词)这也许是个创作的顺序不同,不应该大惊小怪。
但我个人总觉得,曲子的最高境界还是:添一音嫌太肥,减一音嫌太瘦。
不知各位看官以为如何?
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