我在以前的帖子中已经简单谈过古典吉他独奏的个性和艺术性。

今天来讨论一下，作为演奏者，如何把握一首曲子的内涵，风格，体会作者和演奏者自己独创性如何发挥的问题.由于古典吉他丰富的表现力和极为人性化的艺术特性，决定了不同的演奏者对于同一首曲子可以有极多种的演绎手法和风格。

但是在此基础上的对于曲子本身进行多方面的推敲思考分析和对作者思想的充分了解，仍然是极为必要的。

对一首作品从演奏上进行分析考察，其结果一般可以有三个层次，可以分别称之为固定层面（作者决定），可变层面（中间层），必变层面（演奏者决定）.所谓固定层面就是说像一些动机鲜明的主题，旋律，节奏型，音型，某些音效，音色甚至一些指法，指型等也是属于固定层面。

我们还可以称它为作者决定部分，也就是说这些东西它体现了作者的主要创作目的和思路，演奏者必须忠实再现的；否则便是对作品的背离和歪曲。

举例子说，《爱的罗漫史》他的固定部分就是其经典的旋律，若将此旋律进行变化，这就是一种背离原作；而若将伴奏的指型，分解和弦安排进行变化，或者插入装饰音，则都不算背离作品。

又如在某些练习作品片段中，作者的写作意图仅仅是为了练习固定的左手指型，从这意义上说，可以不必拘泥于谱面上的节奏。

当然，绝大部分的练习曲是既有练习目的也有音乐表现目的，这就需要更进一步分析了.关于可变层面，正如上面所举例子，都可成为可变层面，也就是说谱子上是那样标的，但实际上我这样弹也可以，我甚至可以从谱子里无中生有，使该作品更具感染力。

值得一提的是，关于固定层面和可变层面虽然理论上说必然是不相交的，但由于不同人对不同作曲家和作品本身的理解不同，也肯定会导致这两层面的不同，然而作为每一个演奏者，都必须考虑这些问题，同时也要力求更多更准确地了解作曲家及其作品.最后关于必变层面即演奏者决定部分，首先我们知道，世界上没有两片完全相同的树叶，人也是如此，所以任何人对任何作品的演绎必然不可能与作曲者一致。

哪怕用同样的乐器和在演奏环境和具备同样的技巧水平及演奏发挥；此外我们还发现总会有一些象速度，音色，感情色彩等等。

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所有这些谱子上无法细标的音乐要素是完全由演奏者所决定的。

当然，有时候这些东西也完全可能成为可变甚至固定层面的东西，很多谱子上也有柔板，小快板，如歌地。

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等等进行提示，但是往往我们从不同大师对同一首曲子的演奏中了解到巨大的差异。

这里的差异就是体现在可变层面和必变层面里。

如果说可变层面还能体现出一些作品本身的特点，思路，那么必变层面则是彻底的与作者创作目的，思想意图无关。

一个成功的演奏者总是能将自己的演奏风格强烈体现在最后一个层面，而且极其具有高超性和独特性。

这样的人我们称之为演奏大师，他的演奏必然是无可替代，富有生命力的，而不仅仅是局限于技巧过关并表达作者意图。

当然，作为普通爱好者来说，我们对这几点再怎么认真考察，也肯定无法达到大师的水平，但对于防止背离和歪曲作者，正确表达作品并提高演奏的艺术性，无疑是应该的和必要的。